ARTE CONTEMPORANEA - ROSA ANNA MUSUMECI - CATANIA

	art director & consulting ROSA ANNA MUSUMECI

ILE FLOTTANTE - Abadir, Sant'Agata li Battiati (CT) - October 8th 2011 ILE FLOTTANTE is a platform devoted to intercultural exchange and hybridisation, in the wake of innovation and mobility. From the Mediterranean core to the core of Europe, plural generations, languages, media, purposefully engage in a dialogue trial, involving in situ installations, photographic works, videos, sound art, experimental gatherings of unusual materials. Such a multiple perspective on contemporary creation, plies the public with a host of compelling questions, aimed at informing, stimulating sensibilities, rising curiosities, feeding thoughtful reflections and reactions, eradicating the closed mind of communitarian bias, breeding the open mind of cosmopolitan cleverness and diversity understanding. -- ILE FLOTTANTE è una piattaforma di scambio e ibridazione interculturale nel segno dell’innovazione e del movimento. Dal centro del Mediterraneo al centro d’Europa, generazioni linguaggi, media plurali sono sottoposti ad una prova di dialogo fra installazioni in situ, opere fotografiche, video, sound art, assemblaggi sperimentali inediti. Da sguardi così polivalenti sull'arte contemporanea, la più ampia gamma di questioni è posta al pubblico: per informare, stimolare sensibilità, accendere curiosità, suscitare riflessioni, sollecitare reazioni, sradicare la closed mind del pregiudizio comunitario, piantare l'open mind della intelligenza cosmopolita e della comprensione della diversità. -- Artists/Artisti -- YOUNES BABA-ALI \| ROBERTA BALDARO \| RITA CASDIA \| GEA CASOLARO \| TIZIANA CONTINO \| DANIELA D'ANDREA \| ALICE GRASSI \| ANTONE ISRAEL \| MARGHERITA MORGANTIN \| RAFAEL PAREJA \| GIANFRANCO PULITANO \| JONATHAN SULLAM \| ANNAMARIA DI GIACOMO \| CARMELO NICOTRA \| ENRICO SALEMI \| ENZO UMBACA -- curators \| curatori -- Valentina Barbagallo \| Tiziano Perugini -- support \| sostegno -- ARBA-ÉSA -- Académie Royale Des Beaux–Arts,De Bruxelles - École Supérieure des Arts - participation \| partecipazione - ABADIR Art Between Architecture Design and Interdisciplinary Research. -- talk \| incontro October 8th 2011 h 17,30 -- Mobility, High-Tech Media, Critical Thinking with/con Antonio Arévalo, Lucia Giuliano, Luciana Rogozinski, Enzo Pezzella, Rosa Anna Musumeci, Filippo Pappalardo, Valentina Barbagallo, Tiziano Perugini.

NO SIGNAL FOUND 21.04.2011 A parabolic antenna installed within the gallery bumps in vain into the wall. Switching on/off unpre-dictably, seven hairdryers panic: the air released by one makes the next swinging.The leads of three ball pens appear and disappear, as they are compulsively pressed by tireless, clenched hands. At regular intervals, a megaphone broadcasts a mysterious code, while a TV screen turned towards the wall stubbornly releases the blurred sound of a missing channel. Here and there, tools of our technological, networked and overconnected everyday life cacophonously switch on and off and answer to each other. As the first solo show by Younes Baba-Ali, No Signal Found gets on one’s nerve. Irritated and mistreated,our patience gets blunt because nothing works; or, at any rate, nothing works the right way, and the pirated objects seem to have got rid of the yoke of functionality. Affected by a “Frankenstein syndrome”, they bug and defy us. The mocking artist might almost be seen behind the corner, ironically watching our sheepish wandering within a freewheeling and absurd universe that alludes to real fears, such as the year 2000 bug. By implicitly approaching urgent issues such as the effects of the “Society of the Spectacle”,and the question of multicultural identities and religious clashes,the exhibition appropriates and interrogates the features and the tools of our ultra-contemporaneous, globalised and rhizome-like society.In between amusement and consternation, we are submitted a show about artificial…intelligence. ________________________________________________ About curator Bérénice Saliou is an independent curator living in Marseille (France). She holds a MFA in Curating from the Goldsmiths College in London and is currently developing art projects in France and abroad. Particularly involved in Morocco, she regularly collaborates with specialised magazines such as Universes in Universe, Arte Contexto or Catalogue Magazine. ________________________________________________ ________________________________________________ Una parabola al muro della galleria sbatte inutilmente contro la parete. Come in preda al panico, gli asciuga-capelli s’accendono e si spengono a caso, e l’aria che l’uno emette sposta continuamente gli altri. Mani contratte premono senza posa i cappucci di altrettante biro, facendone entrare e uscire la punta. Da un megafono, un codice misterioso si diffonde a intervalli regolari, mentre un televisore rivolto contro il muro emette ostinatamente il brusio sonoro di segnale assente. Da un lato all’altro dello spazio, i feticci tecnologici del nostro quotidiano in rete e sovra-connesso entrano in azione e si rispondono a vicenda, generando una sorta di cacofonia. Questa prima personale di Younes Baba Ali elettrizza. Irritata e maltrattata, la pazienza del pubblico viene messa alla prova perché niente va come dovrebbe; o, piuttosto, tutto va male e, come plagiati, gli oggetti sembrano affrancarsi dal giogo della funzionalità. In preda alla , entrano in tilt e si fanno beffe di noi. Sembra quasi di vederlo, l’artista beffardamente compiaciuto dallo spettacolo che gli offriamo vagando avviliti nel suo universo a ruota libera al limite dell’assurdo; e la sensazione riporta alla mente altre paure ben reali, il bug del 2000, tanto per dire. No Signal Found affronta fra le righe questioni impellenti, dagli effetti collaterali della , al problema dell’identità nella società multiculturale, passando per i conflitti di religione. Fra il divertito e il costernato, interroga le proprietà e gli utensili della nostra società , globalizzata e tentacolare, e se ne appropria senza ritegno. Una mostra dall’intelligenza…artificiale. ________________________________________________ La curatrice Bérénice Saliou è una curatrice indipendente operante a Marsiglia. Ha conseguito il Master in Curating del Goldsmiths College di Londra e si occupa di vari progetti d’arte in Francia e altri paesi. Particolarmente attiva in Marocco, collabora regolarmente con riviste specializzate, fra le quali Universe in Universe,Arte Contexto, Catalogue Magazine.

MOTDIT/SenseOut à Bruxelles 03.06.2011 Today, interpersonal communication is growingly hindered by the widespread distrust of words and the meaning to be attached to wholesale propositions. Max Tomasinelli’s photographic research focuses precisely on this exceptionally sensible topic: which (and how many) words are chosen and spent (or rather wasted) to overcome the “loneliness wall” that purposefully surrounds contemporary art, and thus promote its understanding by the layman? The utter confusion accompanying most efforts of “translating” intrinsically alien languages (such as the media, techniques, and raw materials carrying the artist’s concepts) is the cue to a more general question – the real unwillingness to communicate and the narrowness of mind of the would-be communicators. The question is all the more unavoidable since rooted in the growingly threatening unbalance between everyday verbal communication (the “common” parlance, as Wittgenstein would have it), the over-simplified web language (mail, chat, social network), and the ivory tower inhabited by those art critics who share both snob and elitist linguistic codes. As the symbolic and physical embodiment of this unbalance, its significant and its signified as well, museums thus become the disquieted/disquieting protagonists of Tomasinelli’s critical review, that perfectly epitomizes the image-language relationship. Declined into for variants - Musée d’Art Moderne, Brussels, by Roger Bastin, Bonnefanten Museum, Maastricht, by Aldo Rossi, Hamburger Bahnhof, Berlin, by Josef Paul Kleihues,Centre Pompidou, Metz, by Shigeru Ban - these emblematic spaces are contaminated by the “ words in the vacuum” conceived by Tomasinelli as if they were architectonic elements, light, though structural, physical presences, a bi-dimensional veiling superimposed on the image’s virtual tri-dimensionality. Though formally impeccable and elegant, however, the outcome feeds the doubt about the transmitted (almost illegible) messages, thus leaving the challenge more than ever impending. _______________________________________________ Ciò che oggi lascia più perplessi nel comunicare è la mancanza di fiducia nella parola e nei significati che una sequenza di singole lettere e frasi complesse è in grado di veicolare. Nella ricerca fotografica di Max Tomasinelli, è questa la delicatissima questione posta: quante e quali parole si scelgono e si spendono (o si sprecano) per la diffusione dell’arte contemporanea presso il grande pubblico, con l’obiettivo di superare la “barriera della solitudine” nella quale si è auto-reclusa? La confusione capace di creare il tentativo di “tradurre” in modo comprensibile ai più un linguaggio per sua natura differente (il medium, la tecnica, le componenti fisiche che materializzano l’idea dell’artista) è il sintomo del problema più esteso, della mancanza di una effettiva volontà di comunicare e delle idee meno che chiare di chi lo fa. Un problema inevitabile, tenuto conto del crescente, tremendo squilibrio tra la comunicazione verbale quotidiana (“comune”, direbbe Wittgenstein), il linguaggio iper-semplificato del web (mail, chat, social network) e l’eremo su cui certa critica d’arte si è ritirata in una sorta di “Aventino” linguistico limitato ad una cerchia elitaria e snob. Teatro simbolico e materiale, o significante/significato, dello squilibrio, il museo diventa così l’inquieto, e inquietante, protagonista degli interrogativi critici di Tomasinelli, epitome perfetta del rapporto tra immagine e linguaggio. Quattro varianti emblematiche (Musée d’Art Moderne, Bruxelles, arch. Roger Bastin, Bonnefanten Museum, Maastricht, arch. Aldo Rossi, Hamburger Bahnhof, Berlino, arch. Josef Paul Kleihues, Centre Pompidou, Metz, arch. Shigeru Ban) sono contaminate dalle “parole nel vuoto” vergate da Tomasinelli come elementi architettonici, presenze fisiche evanescenti ma strutturali, velature a due dimensioni sovrapposte alla tridimensionalità virtuale dell’immagine. La soluzione formalmente impeccabile ed elegante, però, si intreccia con il dubbio sul significato trasmesso, in verità indecifrabile, e lascia più che mai aperta la sfida.

PAS MOI - Thursday, Mars 10, 2011 Double Solo Show - Marco De Sanctis Antone Israel \|\| Avec la participation de ARBA/ÉSA : l 'Académie Royale des Beaux Arts de Bruxelles / École Supérieure d'Art \|\| PAS MOI - alludes to the dialectic of communication and incommunicability: although one cannot express herself/himself without making room for the Other, this very opening may bring about self-negation, or at least dependency from an external arbiter. While ensuring an antidote to narcissism, and thus granting an proof of the artist’s work and her/his very existence, the Other’s point of view defies identity, submits it to an estranging tension, the tension between self-disavowal and self-recognition (in and by the other). The sought-for end outcome, though, is equilibrium, a paradoxical dialogic monologue, or monologous dialogue (Beckett), aiming at capturing the core of the artist’s relational life. .A relation, then, of synergic estrangement: De Sanctis an Israel strike up an uncompromising cooperation; while fully keeping their identities, they share the same research border, as their works incorporate the techniques and media used for their realization. In so doing, they do accept, indeed they want, to generate unexpected, dysfunctional, and sometimes unstable, outcomes: the film released by a 16mm projector runs through a drawing-paper and strikes it, thus producing forms and sounds while the public’s shadows take multiples shapes on the walls…A double metamorphosis materializes on an improbable, inclined, wax-canvas, as a row-clay fish lapped by the high tide slowly melts and the image itself is filtered and altered by the waxed canvas surface…A wall- drawing may remember a mural, though it is in fact a very thin China drawing and the supporting surface was made silky, almost immaterial, by the artist’s treatment. Once again, then, an identity crisis is stressed: hardware and software, or means and ends, pierce through one another, thus certifying a radical relativity, or even the impossibility of differentiating, because of the reducibility of the real to its representation (or vice versa?). In the artists’ vision, this longstanding, scientific and philosophical, question is rather given a poetic answer, i.e. dealt with by their gesture’s freedom. In fact, poetry, including poetry of the Absurd (Pas Moi), attains the most cogent truths quite apart from logical or empirical support because of its ability to comprehend the incomprehensible, to put order into the chaos that frightens reason by the power of intuition. The crucial matter – these new talents say – is less explaining, or mastering, mystery, than showing its beauty and learning to coexist with.

PAS MOI - Giovedì 10 Marzo 2011 Doppia Personale - Marco De Sanctis Antone Israel \|\| Avec la participation de ARBA/ÉSA , l'Académie Royale des Beaux Arts de Bruxelles / École Supérieure d'Art.\|\| PAS MOI - allude alla dialettica di comunicazione e incomunicabilità: fare posto all’altro è indispensabile per esprimersi, ma è anche una maniera di negarsi, o di rimettersi a un giudizio esterno. Passo necessario per resistere al narcisismo e conseguire un riscontro dell’opera e della stessa esistenza propria. L’identità, di conseguenza, non si riconosce se non attraverso una tensione estraniante, in bilico fra disconoscimento e riconoscimento reciproco; ma la tensione, infine, mira all’equilibrio, a un paradossale monologo dialogico o dialogo monologico (Beckett), che restituisca l’essenzialità della vita di relazione dell’artista. Un relazione, quindi, di estraniamento sinergico: De Sanctis e Israel collaborano senza compromessi, restando più che mai se stessi. Si muovono sulla stessa frontiera della ricerca, incorporando il medium e la tecnica nell’opera, accettando, anzi pretendendo, esiti inaspettati, disfunzionali, talvolta instabili: la pellicola è rigettata da un proiettore16 mm su carta da disegno, la percorre, la percuote, genera forma e suono, mentre ombre multiformi di spettatori si materializzano sulle pareti…Su superfici improbabili, inclinate e rifinite a cera, si consumano due metamorfosi, la lenta dissoluzione di una forma di terra cruda lambita dal moto ondoso e la distorsione dell’immagine sulla tela cerata…Un disegno a parete sembra dialogare con i murales, ma è tratteggiato con una punta sottile di inchiostro di china sull’intonaco alleggerito come seta dalla preparazione… Una crisi di identità è così di nuovo enfatizzata: hardware e software, mezzo e fine, trapassano l’uno nell’altro, documentando una radicale relatività, o perfino l’impossibilità di distinguere, la riducibilità del reale alla rappresentazione (o viceversa?). Questione scientifica, filosofica, ma –nella visione dell’artista– più propriamente poetica, cioè da affrontare con la libertà del gesto. Nella poesia, compresa la poesia dell’assurdo (Pas Moi), la verità si sottrae a verifiche empiriche o logiche senza perdere rigore, in forza di uno sguardo capace di comprendere l’incomprensibile, di ordinare con l’intuizione il caos che sgomenta la ragione. Non si tratta –sembrano dire questi nuovi talenti- di spiegare o dominare il mistero, ma di mostrarne la bellezza e accettare di conviverci.

PAS MOI - Thursday, Mars 10, 2011 Double Solo Show - Marco De Sanctis / Antone Israel \|\| Avec la participation de ARBA/ÉSA : l 'Académie Royale des Beaux Arts de Bruxelles / École Supérieure d'Art \|\| - PAS MOI - se réfère à la dialectique de la communication et du manque de communication: même si faire place à l’Autre est indispensable pour s’exprimer, cette ouverture est aussi une manière de s’oublier ou de s’en remettre à un juge tiers. Passage obligé pour assurer à la fois, un antidote au narcissisme et une preuve objective du travail de l’artiste et de sa propre existence, le point de vue de l’Autre défie pourtant l’identité. Par conséquent, l’identité ne se reconnaît qu’à travers une tension aliénante, oscillant entre le désaveu et la reconnaissance réciproque. Mais, la tension vise à l’équilibre, à un paradoxal monologue dialogique ou dialogue monologique (Beckett) qui renvoie à l’essentiel de la vie sociale de l’artiste. Ce qu’on voit, donc, est une synergie faite de collaboration et d’opposition: De Sanctis et Israel coopèrent sans compromis tout en conservant leur identité. Ils partagent la frontière de la recherche, intégrant les médias et la technique dans les œuvres mêmes. Ce faisant, ils acceptent, exigent même, de produire des résultats inattendus, dysfonctionnels et parfois instables: un film, projeté en boucle par un appareil 16mm sur du papier à dessin, produit des formes et des sons pendant que les ombres du public prennent de multiples formes sur les murs...Sur une toile improbable, une double métamorphose s’opère: la lente dissolution d’une forme en argile, un poisson, baignée par les vagues ainsi que le filtrage et la modification des images de la rétro-projection sur la surface cirée...Un dessin mural peut évoquer les graffitis antiques mais il est traité ici avec une pointe fine d’encre de Chine sur une surface que la préparation de l’artiste a rendu soyeuse, presque immatérielle. Une crise d’identité est donc à nouveau soulignée: software et hardware, fins et/ou moyens, se mêlent, attestant ainsi une relativité radicale, voire même l’impossibilité de différencier e, finalement, la réductibilité du réel à sa représentation (ou vice-versa?). Dans la vision des artistes, cette question, longuement posée en termes scientifiques et philosophiques, entraîne plutôt une réponse poétique, confiée à la liberté de leur geste. En fait, la poésie – et surtout la poésie de l'absurde (Pas Moi) - échappe aux vérités empiriques ou logiques (tout en maintenant sa rigueur) grâce à sa capacité à comprendre l’incompréhensible. Par la puissance de l’intuition, elle réussit à mettre de l’ordre dans le chaos qui terrifie la raison. La question cruciale - semblent dire ces nouveaux talents - est moins d’expliquer ou de maîtriser le mystère, que d’en montrer la beauté et apprendre à vivre avec.

Educazione europea - 11. November. 2010 - EDUCAZIONE EUROPEA - Un curatore è spesso tentato, nel costruire una mostra, di invitare artisti che abbiano in comune l'uso del mezzo usato — per esempio la fotografia o la pittura — o una tematica condivisa. Se ci si limitasse a questi aspetti un'esposizione in cui sono presentati insieme i lavori di Margherita Morgantin e di Enzo Umbaca sarebbe poco più di un pretesto. Al contrario credo che una mostra che nasce accostando i loro progetti e le loro opere abbia più di una valida motivazione. Innanzi tutto penso si possa facilmente percepire nei loro lavori uno spirito comune, un'affinità che va al di là di mezzi o soggetti che solo saltuariamente possono risultare simili. Tale condivisione nasce da un'attenta quanto critica visione della realtà che induce entrambi gli artisti a indagare aspetti poco spettacolari della nostra società, ma che risultano, a un'attenta analisi, emblematici delle contraddizioni che caratterizzano la nostra epoca. I loro lavori si potrebbero definire "politici" se tale parola (soprattutto in un contesto italiano) non entrasse in risonanza con troppi aspetti negativi o, se si vuole essere più ottimisti, retorici. Politici perché la loro lettura della realtà cerca di sondare anche le ricadute sociali di regole, scelte, abitudini o modi di pensare. Non rinunciano, quindi a un dialogo (anche critico) con l'ambiente…Se invece dovessimo individuare delle distanze, le cercherei nel loro diverso, quasi opposto, modo di usare gli aspetti relazionali del lavoro. Mi sembra che in diverse occasioni il lavoro di Enzo Umbaca parta da intuizioni o idee dell'artista che, a causa del contatto con gli altri e degli stessi meccanismi di costruzione, si trasformi nel corso del processo… La relazione con gli altri, gli intercessori (per usare una parola familiare a Deleuze e Guattari), sono fondamentali anche per Margherita Morgantin, ma, a differenza di Umbaca, ho l'impressione che spesso agiscano prima. Fonti scritte, incontri, film, episodi quotidiani, discussioni e, non ultima, una lettura scientifica della realtà, possono essere presi come spunto da rielaborare, da riformulare attraverso il filtro delle proprie sensazioni. Le idee o le vicende narrate da altri possono essere un punto di partenza, un territorio comune fondamentale, ma è altrettanto importante, quindi, nel processo creativo della Morgantin, una elaborazione singolare e quasi solitaria di tali elementi… Usando altre parole, davanti al lavoro di Umbaca ci si trova coinvolti in un incontro, mentre le opere della Morgantin ci prendono per mano e ci fanno vedere la nostra realtà attraverso i suoi occhi. Ho spesso avuto la sensazione che i lavori di Margherita si dovessero leggere come un libro mentre a quelli di Enzo si dovesse partecipare (anche se raramente ci sono elementi performativi)… Per realizzare le opere in mostra entrambi sono partiti dalla centralità del luogo espositivo, una galleria nel cuore della città di Bruxelles sede di parte delle istituzioni della Comunità Europea, per ragionare sulle contraddizioni della nostra società, per ragionare sul nostro essere europei e cosa potesse significare. L'educazione europea evocata ironicamente dal toccante romanzo di Romain Gary è forse ancora da costruire anche se l’epoca buia della Seconda Guerra Mondiale, in cui si muovevano i protagonisti, è, per fortuna, distante nel tempo e nelle forme che la violenza e la disperazione avevano preso. Ma nonostante questo credo che scrivere libri, comporre musica, costruire opere d'arte rimangano fondamentali rifugi, nascondigli dove prendersi cura di "tutto quel che impedisce all'uomo di abbandonarsi alla disperazione, tutto ciò che gli permette di avere una fede e continuare a vivere". Umbaca ha voluto riportare all'attenzione la figura del musicista-operaio Peter De Geyter, autore della musica dell'Internazionale. Nel video prodotto troviamo, infatti, una musicista che davanti alla statua di De Geyter a Gand suona al contrario le note del famosissimo inno. Il lavoro, in questo modo, denuncia l'esiguo spazio lasciato alle utopie e alla fratellanza tra gli uomini anche all'interno di un’organizzazione sovranazionale come la Comunità Europea; nello stesso tempo sottolinea come non ci possa essere spazio per nostalgiche riproposizioni di ideologie che hanno dimostrato, nel corso del tempo, tutti i loro limiti. Margherita Morgantin presenta un rettangolo di elmetti protettivi, usati nei cantieri, di colore blu, a ricordare la bandiera della Comunità Europea. Sopra di loro dodici stelle rosse, di chiara produzione cinese, creano un cortocircuito tra ideali e interessi economici, tra diritti e sfruttamento del lavoro, tra democrazia e processi di globalizzazione. Quest'immagine ambigua, che si presta a letture differenti, sarà affiancata da una copia di alcune normative europee sulla salvaguardia degli uccelli migratori… - Roberto Pinto

European education - 11. November. 2010 Double Solo Show (site specific works) - Margherita Morgantin Enzo Umbaca - texts and project Roberto Pinto - THANKS: Georgeanne Kalweit musician - Ann Van Nieuwenhuyse director MIAT Museum of Industrial Archaeology and Textile Gent - Museum’s staff – Momo NTGNT Theatre cultural associaition Gent – Alessandro Fazio Brussels - Pinto designer Belga Queen /historical bank restaurant Brussels - EUROPEAN EDUCATION - In planning an exhibition, the curator may be tempted to invite artists sharing the same medium - e.g. photography or painting – or a common topic. By these criteria, bringing together Margherita Morgantin and Enzo Umbaca would amount to little more than a pretext. This notwithstanding, I think that joining their projects and works is fully justified and justifiable. First of all, one can easily perceive much the same spirit, an affinity reaching well beyond the occasional pairing of media and topics. This affinity springs out of a vision of society both careful and critical, which pushes the artists to focus on less than spectacular facets of real life. Under closer scrutiny, though, these facets symbolically embody the contradictions of our times. Their works might be dubbed ‘political’ – admittedly a word carrying a derogatory, or at best a rhetorical, bias, in the Italian context particularly. At any rate, I do say political since their reading of reality aims at probing the social side-effects of rules, choices, customs, or ways of thinking. Though critically, a dialogue is thus entertained with the environment… On the other hand, the divide is probably the different, indeed almost opposite, treatment of the works’ relational facets. Enzo Umbaca often seems to start from his own intuitions/ideas, and lets them change as others step in and because of the works’ building tools themselves…The relationship to others (Deleuze’s and Guattari’s intercessors, or mediators) is equally crucial for Margherita Morgantin, though (at odds with Umbaca) it seems to work beforehand. Written sources, contacts, movies, everyday events, discussions, and, last but not least, a scientific reading of society, may be the starting cues, providing a crucial common environment. But Morgantin’s creative process truly unfolds through an individual, almost solitary, elaboration of those elements…Otherwise put, Umbaca involves us into a relationship, whereas Morgantin drives us toward a vision of reality mediated by her own eyes. I have often been feeling that Margherita’s works were to be read like a book; on the other hand, Umbaca calls for participating (though seldom by performance actions)… The works have been conceived with an eye to the centrality of the exhibition’s space, an Italian gallery placed in the very hearth of Brussels and its European institutions. Obviously enough, the aim is to meditate over societal contradictions, our being Europeans and the related meaning(s). An European education as ironically evoked by the touching novel of Romain Gary has perhaps yet to materialize; though the World War II bleak times lived by his protagonists are over, I maintain that writing, composing music, creating artworks are crucial shelters, hideouts for taking care of “all what prevents men from falling into despair and allow them to believe in something and keep alive”. Umbaca draws attention on the worker/musician Peter De Geyter, the composer of the Internationale. His video shows a musician playing backwards the worldwide most celebrated hymn in front of De Geyter’s monument in Gent: it is partly a denunciation of the tiny room left for utopia and human brotherhood even in the core of trans-national EU institutions; on the other hand, the underlying ideologies and their historical failures are emphasized and denied any chance of nostalgic comeback. In turn, Margherita Morgantin shows a rectangular assemblage of workers' safety helmets. They are blue like the EU flag, and are topped by twelve red stars of explicit Chinese coinage. The emphasis is on the short-circuiting of ideals and economic interests, of human rights and work’s exploitation, of democracy and the globalization process. This ambiguous, multilayered image lends itself to several readings and will be flanked by copies of some EU directives on the protection of migratory birds: a message of environmental hope couched in normative tools. - Roberto Pinto

CAGES March.19.2010 Solo show by Loredana Longo, curated by Antonio Arévalo Arte Contemporanea, rue des Chevaliers 22 - 1050 Bruxelles. Loredana Longo (1967) lives and works in Catania (Italy). The artist’s research started from a thorough reflection on her own image, portrayed by photography, installations, videos, and performances. Later on, this work of a strictly autobiographic variety was taken a step ahead by focussing on the family’s universe, whose manifold contradictions are vividly represented by Loredana. Tensions and conflicts emerging at home, as accounted for by the Explosion project, allow the artist to go through the whole range of the most complex psychological and social dynamics. Carefully displayed domestic settings are suddenly and traumatically blown up and then faithfully rebuilt by reassembling the damaged pieces. All stages of the deconstruction/reconstruction process are video-taped and endlessly replicated in loop. Thus, the domestic-private environment becomes a multifaceted battleground, and an archetypal model of social relationships at large. Her first solo show in Brussels, curated by Antonio Arévalo, provides a new focus, as effectively epitomized by the title. CAGES explicitly alludes to strictly personal inner anguishes, aptly embodied by a claustrophobic jail. Both the body and the social setting fade away or, more properly, take a new shape, of unusual symbolic strength. Behind the bars, a painful rite of self-annihilation and self-acknowledgement takes place: unfree as it is, the Ego accepts to identify with the cage, as a cage is after all needed to escape, to grasp the notion, and to seize the opportunity, of an escape. A real opportunity, though? Or just the illusion of? Indeed, the cages shine: their bars, their mirrors, their dazzling light bulbs are designed to emphasize a frightening glamour, both attractive and repulsive; and the whole scenery amounts to an architectonic trompe-l’oeil, whereby spaces are endlessly multiplied and multipliable by the desire for freedom, while staying inexorably poky when one effectively tries to trespass them. After all – the artist suggests – way outs are not readily available, they are perhaps just virtual exits; and the real ones are possibly not even looked for, since the individual might be convinced (and happy) that freedom is nothing more than a sensation, a state of mind.

CAGES March.19.2010 Personale di Loredana Longo, curata da Antonio Arévalo Arte Contemporanea, rue des Chevaliers 22 - 1050 Bruxelles. Loredana Longo (1967) vive e lavora a Catania (Italia). La ricerca dell’artista comincia dalla riflessione sulla sua immagine, riprodotta in fotografia, video, istallazioni, performance. Successivamente, questo lavoro di ispirazione rigorosamente autobiografica si sposta sull’universo familiare, del quale Longo rappresenta vividamente le molteplici contraddizioni. Tensioni e conflitti domestici sono documentati nella serie Explosion, che esplora l’intera gamma delle più complesse dinamiche psicologiche e sociali. Set accuratamente predisposti di ambienti familiari vengono fatti saltare in aria traumaticamente e all’improvviso, e poi fedelmente ricomposti con ciò che è rimasto. Tutti gli stadi della decostruzione/ricostruzione sono ripresi e replicati all’infinito nei video dell’artista. Come dire che l’ambiente domestico-privato si trasforma in uno sfaccettato campo di battaglia, archetipo di problematiche relazioni sociali in generale. Nella prima personale a Bruxelles, a cura di Antonio Arévalo, viene elaborato un nuovo tema, efficacemente sintetizzato dal titolo. CAGES allude trasparentemente ad angosce interiori, rigorosamente individuali, traslate nell’ambiente claustrofobico della cella. Sociale e corpo si dileguano o, meglio, acquistano una nuova veste, di straordinaria intensità simbolica. Dietro le sbarre, si consuma il rito doloroso dell’autoannientamento e del riconoscimento: privato della libertà, l’Io ne prende atto, accetta di definirsi gabbia, forse perché una gabbia è necessaria per fuggirne, per concettualizzare la possibilità della fuga. Possibilità o illusione, però? Le gabbie, in effetti, scintillano: di vernice riflettente, di specchi, illuminate a giorno. Un glamour pauroso, attraente e repulsivo insieme, accompagna un trompe-l’oeil architettonico di spazi moltiplicati e moltiplicabili all’infinito dal desiderio di libertà, ma inflessibilmente angusti quando si tenti di varcarli. In fondo, dice l’artista, non abbiamo vie d’uscita, fuorché virtuali; e forse non ne cerchiamo nemmeno, perché in fondo convinti, e magari contenti, di vivere la libertà solo come sensazione, stato d’animo.

“Darkness is Noon" Tina-b Intenational ContemporaryArtFestival-Prague-3rd ArtSection “Darkness Is Noon”,curated by Rosa Anna Musumeci/ARTECONTEMPORANEA; Italian Cultural Institute-Praga,CZ. Catalogue and WebSite curated by Marek Tomin W-S http://tina-b.eu/eng/sections-artists/darkness-is-noon Artists: Carlo Bernardini(I), Flavia Bigi(I), Fiodor Bonaviri(I), Carmen Cardillo(I), Tiziana Contino(I), Emanuele Costanzo(I), Giuliana Cuneaz(I), Martina Della Valle(I), Alberto Finocchiaro(I), Semira Forte(I), Claudia Gambadoro(I), Florian Grond(A), Teun Hocks(N), Loredana Longo(I), Valentina Medda(I), Flaviano Poggi(I), Gianfranco Pulitano(I), Paola Ricci(I), Saverio Todaro(CH), ZEVS(F)

V GIORNATA DEL CONTEMPORANEO - 3.10.2009 Loredana Longo performance-installazioni curatore Florinda Podestà h 20,00 via Roma,45 INT 9 Sant’Agata Li Battiati (CT) SPLITTING #1 CHALLENGE Corpo e ombra: due elementi inscindibili. Ogni corpo si trascina dietro, durante l’intero arco della vita, un’ombra che lo segue ovunque, riflettendone la postura, il movimento, i gesti. Essa è indice dell’esistenza del corpo stesso: mostra, rassicurandoci, il nostro effettivo ‘stare al mondo’ e conferma la nostra specificità di individui. Proprio come il riflesso allo specchio e l’impronta, l’ombra rappresenta, ai nostri occhi, la garanzia della matericità che ci costituisce, testimoniandoci di continuo la presenza, la tangibilità e la visibilità del nostro essere. Possedere un’ombra, contiguo e fedele riflesso del corpo, è un fatto dato per scontato. In Splitting tutto inizia da qui. L’artista e la sua ombra. Tutto regolare. Tutto coincide. Poi accade qualcosa. L’ombra non riflette più le posizioni né le azioni del corpo. L’equilibrio si rompe. La continuità è spezzata. Splitting: scissione. L’ombra, generata dal corpo dell’artista, da esso si dissocia e assume vita propria. Strutturalmente collegata all’idea di una fisicità alla quale corrispondere, nel nuovo lavoro di Loredana Longo l’ombra diviene protagonista di un accadimento profondamente inquietante: essa si sdogana dal corpo per affermare il proprio essere ‘altro’. Il cortocircuito fisico-psichico che ha origine nella performance pare scaturire dal tentativo prometeico di dissociazione dal sé messo in atto da una individualità sovraccarica, nell’unica paradossale modalità possibile: quella di uscire da sé stessa per scoprirsi e mostrarsi doppia (o forse multipla) e mostrare apertamente le opposte tensioni da cui è attraversata. Se nella tradizione occidentale l’ombra ha conservato spesso la sua antica valenza magica, assumendo al contempo un alone di negatività riferito al suo essere oscura e dunque inconoscibile, nell’opera di Longo essa, pur mantenendo una forte connotazione perturbante, rappresenta non necessariamente il versante malvagio dell’animo umano. Decisamente di grande impatto, l’azione che si staglia davanti ai nostri occhi racconta delle inquietudini alla base di un processo coraggioso ed estremo come quello del ri-velarsi. L’ombra autonoma e indipendente di Splitting è il risultato di una meditazione profonda sulla condizione e i dispositivi di gestione della propria identità e sull’impossibilità di aderire costantemente ai parametri censori stabiliti dalla cultura o da un super-io castrante. Loredana Longo va molto al di là di un semplice discorso sul dualismo occidentale che rende schizofrenici, dividendoci tra tensioni contrapposte. Alla luce chiarificatrice della sua ricerca artistica, l’assurdo inscenato in Splitting si colloca come coerente step successivo di un lavoro teso a scardinare gli appigli dell’apparente ovvietà del quotidiano e la patina di illusoria serenità e pacatezza del vivere. Se col ciclo Explosion si frantumavano improvvisamente le strutture e i corredi delle sedi conviviali e gli automatismi dei rendez-vous sociali per poi passare a una ri-costruzione fedele e impossibile al contempo; e con Souvenir, dalla realtà penetrata dai proiettili e irreversibilmente de-costruita l’artista estraeva residui della follia quotidiana; con Splitting a scoppiare ora è l’anello più fragile e controverso dell’ingranaggio sociale: l’individuo con la sua identità. L’ombra che si affranca dal dominio del corpo, figlia ribelle e scontrosa, è traccia di un conflitto avvenuto, prolungamento all’esterno di un pieno straripante e inquinato che si fa spazio vitale per permettersi di respirare ancora. Come le pesanti ambientazioni crepuscolari e soffocanti di alcuni lavori precedenti saltavano letteralmente in aria disperdendosi in frantumi, così ora l’occhio di bue è puntato su quella sagoma scura che idealmente contiene le macerie di un nuovo disastro. Senza premeditazione né avviso, e dunque con un effetto ancor più sconcertante, questa volta l’esplosione è tutta interiore. Senza boato, né fuoco e scintille, l’estetica della distruzione messa in atto da Longo arriva a coinvolgere le strutture interne, quelle più intime e segrete: l’animo e i suoi misteri, i complessi meccanismi psichici della mente e la coscienza. Con il linguaggio originale e inedito che caratterizza il suo fare artistico, rendendo di sicuro il suo lavoro unico nel panorama dell’arte contemporanea, e attraverso mezzi particolari utilizzati con sapienza, Loredana Longo ancora una volta si incarica di meravigliarci con, dice lei, “un messaggio semplice: ciò che si vede corrisponde a ciò che è. Non c’è nulla da spiegare”. Dunque non ci resta che stupire. Florinda Podestà ARTECONTEMPORANEA dir. Rosa Anna Musumeci

KunStart 09 (21-24 MAY) Fiera dell’arte moderna e contemporanea di Bolzano Messe für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen Fair of modern and contemporary art of Bolzano P.zza Fiera 1, Messeplatz 1 \| I - 39100 Bolzano Bozen

SICILY past post \| cohèrent diffèrent ARTECONTEMPORANEA CATANIA-BRUXELLEX DIR. ARTISTICO rosa anna musumeci PRESENTA ” cohèrent diffèrent ” fotografia, ceramica, disegno video-installazioni, sculture luminose curatore FRANCESCO LUCIFORA Stand n.45 - Atrio dell’Arte ARTISTI paolo angelosanto - rosario antoci - alice grassi loredana longo - gianfranco pulitano - christian rainer - saverio todaro L’obiettivo curatoriale dell’esposizione ha determinato la scelta degli artisti e delle opere in mostra \|\|\| APRILE 2009 PREVIEW: giovedì 2 , h 21,30 - h 24 \| APERTURA: venerdì 3 - domenica 5 , h 11 - h 21 Palazzo dei Congressi – Piazza John Kennedy 1 – 00144 - EUR ROMA

ARTE & SUD obiettivo contemporaneo - 29 settembre/ 19 novembre 2006 Il 29 settembre inaugurerà nelle sedi del Castello Normanno di Acicastello ed a Villa Fortuna di Acitrezza -in provincia di Catania- una mostra che vede la presenza 12 comuni Italiani-Uffici GAI (Giovani Artisti Italiani) associati per lo sviluppo dell’Arte Contemporanea Giovane - -Ancona, Bari, Biella, Catania, Cagliari, Genova, Messina,Milano, Modena, Padova, Roma, Venezia, Torino. -Fondazione Bartoli-Felter per l’Arte Contemporanea –Cagliari. E' prevista nella mattinata del 29 un incontro a cui hanno dato la loro adesione Gabi Scardi, curatore indipendente-Sole 24 Ore, PAC Milano. Antonio Presti, Fondazione Fiumara d’Arte Castel di Tusa (ME) e Librino (CT); Adriano Del RE, Presidente Associazione Nazionale GAI (Giovani Artisti Italiani); Luigi Ratclif Segretario nazionale GAI, Salvatore Lacagnina dir. Museo Montevergini Siracusa, Massimo Ligregi ArteGiovane Sicilia Proponenti: Comune di Acicastello,Sindaco avv.Silvestra Raimondo e l’associazione ARTECONTEMPORANEA con la collaborazione del Dott. Alfredo D’Urso- Dirigente area Cultura e Turismo.Catalogo progetto: Rosa Anna Musumeci curatore: Antonio Arèvalo coordinatori: Maria Giovanna Chiavaro promozione giovani artisti catanesi Agenzia Giovani del Comune di Catania patrocinio: GAI - Associazione Giovani Artisti Italiani 50 Artisti, 100 opere Adalberto Abbate, Damiano Andreotti, /barbaragurrieri/ (Barbara Guerrieri-Emanuele Tuminelli), Primoz Bizjak, Riccardo Costantini, Mirella Carella, Giulia Casula, Daniele Denaro, Silvia De Bastiani, Cristina Gori + Alessandro Cardinale, Simone Fazio, Chiara Fabbri Colabich, Matteo Forli, Jerney Forbici, Annalisa Furnari, Giovanni Gaggia, Gavino Ganau, Antonio Guiotto, Valentina M, Fabio Melosu, Cinzia Muscolino, Daniela Milone e Salvatore Raimondo, Irina Novarese, Fabio Niccolini, Barbara Nati, Filippo Leonardi, NicolàPallavicini, Pastorello, Mariapaola Piscitelli, Mariagrazia Pontorno, Gianfranco Pulitano, Arash Radpour, Maria Domenica Rapicavoli, Laura Renna, Piero Roi, Laura Santamaria, Giuliano Sale, Matteo Serri, Lorenzo Silvan, Marco Schievenin, Enrico Tealdi, Giuseppe Teofilo, Laura & Gigi (Testa e Luigi Piana, Laboratorio Saccardi. Performance: Double # cod.1.3 (Loredana Longo-Giuliana Lo Porto)

Kunstart (BOLZANO ARTE FIERA) – 22 al 25 maggio 2008 STAND Vernon Galerie,Praga–CZ Artista:Claudia Gambadoro(video-proiezione,fotografia,video-installazione)

“ART SHOW - video e Fotografia Cannes(F)” - 13 al 18 maggio 2008 In concomitanza con il Festival del Cinema nella sede del Carlton Ritz Hotel /Art Show Cannes/, mostra-mercato dedicata alle nuove esperienze nell'ambito della foto e del video. In collaborazione dalla Vernon Galerie di Praga e Arte contemporanea cultural association di Rosa Anna Musumeci. StAND Vernon Galerie, Praga –CZ, Artisti: Rita Casdia (video-animazione;Grafica), Giuliana Cuneaz (video 3D).

“VIVA LAS VEGAS - funny how secrets travel” – 18 al 31 marzo 2008 curated by Bruno Duchemin Artist: Elise Florenty, Angelika Markul, Fabio Niccolini, Mel O’Callahan, Marie Preston, Adam Vackar. Spazio espositivo del Teatro di Chaillot, Parigi – Francia. Catal. a cura di Julien Pastor

ART FIRST: Contemporary art fair of Bologna, 2008 STAND VERNON Galerie, Praga –CZ Artisti: Franco Angeloni (installazioni), Rita Casdia(video animazione), Claudia Gambadoro (video-installazione), Loredana Longo (video-installazione), Gianfranco Pulitano (Light-sculputure), Lorenzo Silvan (pittura su vinile)

ARTISSIMA 14 : Fiera d'arte contemporanea - Torino 2007 STAND Vernon Galerie, Praga–CZ Artista: Gianfranco Pulitano - catal.

“Islands Under Threat” 12 settembre/20 ottobre 2007 TINA b. The Prague Contemporary Art Festival 2007. Art Section “Islands Under Threat” curated by Rosa Anna Musumeci Participating Artists: L. Longo, G. Lo Porto, F. Angeloni, A. Grassi, C. Gambadoro. Billboard text art section in the Urban Heart – Participating artists: F. Angeloni, R. Antoci. Mobile VideoArt "The intimate of the global village" Participating Artists: Antonio Pilade, Tiziana Contino, Fiodor Bonaviri.

WARS OR WORDS? - 22 giugno/2 settembre 2007 consulenza e partecipazione alla mostra promossa dalla Fondazione Bartoli Felter di Cagliari – artisti invitati della galleria: Loredana Longo, Antonio Pilade, Gianfranco Pulitano curatori A. Menesini, Luca Vona - catal.

Hand Luggage Art - Arte da bagaglio a mano - 15 dicembre/15 gennaio 2007 progetto e cura di R A. Musumeci organizzazione ass.ne cult. ARTECONTEMPORANEA; spazi del Marina Palace Hotel, Acitrezza-Catania 2000 mq di spazi per la realizzazione di un progetto, realizzato con la collaborazione dell’imprenditore/albergatore, dell’Hotel in epigrafe, che si rivolge alla produzione creativa di giovani artisti contemporanei. Artisti: Adalberto Abbate, Paolo Angelosanto, Roberta Baldaro, Barbaragurrieri, Cesare Bellassai, Fiodor Bonaviri, Rita Casdia, Tiziana Contino, Annamaria Di Giacomo, Arcangelo Favata, Alberto Finocchiaro, Jerney Forbici, Annalisa Furnari, Giovanni Gaggia, Claudia Gambadoro, Alice Grassi, Federico Leocata, Giuliana Lo Porto, Loredana Longo, Fabio Marullo, Barbara Nati, Angelo Navarria, Gigi Piana, Antonio Pilade, Mariagrazia Pontorno, Gianfranco Pulitano, Enzo Rovella, Laura Santamaria, Angelo Spina, Lorenzo Silvan, Marco Schievenin, Enrico Tealdi, Giuseppe Teofilo.

PUDORE – 7/30 novembre 2008 a cura di Rosa Anna Musumeci, D. Gallery, Torino. bi-personale di Christian Rainer e Cosimo Terlizzi

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